Перевод сайта

ruenfrdeitptes

Новости от наших коллег

Войти

Поиск

Dernières actualités Louvre

Musée du Louvre (Paris, France) : Dernières actualités

15 января 2021

  • La France vue du Grand Siècle
    Si les gravures de Silvestre ont été largement diffusées, ses dessins demeurent méconnus. Le musée du Louvre en conserve un ensemble exceptionnel qui sera  présenté au public pour la première fois.
  • Delacroix, le dernier combat
    Film de Laurence Thiriat Fr., 2016, 52 min Au crépuscule de sa vie, Eugène Delacroix se lance dans un chantier monumental, la réalisation de peintures murales pour la Chapelle des Saints Anges dans l’église Saint-Sulpice à Paris.
  • Imaginaires, représentations de l'Orient
    La Fondation Lilian Thuram pour l’éducation contre le racisme et le musée national Eugène-Delacroix s’associent pour construire un projet singulier d’exposition et de médiation, offrant de présenter les oeuvres de la collection du musée de manière renouvelée. Un accrochage inédit de la collection du musée, dédié à l’Orient et à ses représentations, est proposé du 11 janvier au 2 avril 2018.
  • Dans les pas d'un jardinier
    Colloque suivi d'un concert Sous la direction scientifique d’Hervé Brunon et Monique Mosser, CNRS, Centre André Chastel, Paris Le colloque s’inscrit dans le cadre de la programmation « Histoire et cultures des jardins », commencée en 2007 et conçue avec la collaboration scientifique du Centre André Chastel. Cette rencontre sera consacrée à la figure de Pascal Cribier (1953-2015), jardinier et paysagiste, qui fut notamment aux côtés de Louis Benech et François Roubaud le concepteur de la réhabilitation du jardin des Tuileries (1991-1996) et s’affirme, avec près de 180 projets réalisés à travers le monde, comme un maître d’œuvre majeur.

Уроки наследия для развития будущего

Живописный метод как система и его важность для решения вопросов современного искусства, на примере творчества И.В.Карпунова

История является неотъемлемой частью нашей жизни, ее часто критикуют, развенчивают, мистифицируют, но вдруг начинают осознавать наследие прошлого как шанс для развития традиций в современности. Некоторые историки утверждают, что история – это сила прошлого, которая говорит с нами из современности. В силу общественных условий, которые творят с нами все что угодно, эта сила прошлого или возрастает или угасает. Многие достижения  художников XX века печально забыты, сегодня мы осознаем как никогда дефицит «культуры памяти». Именно по этой причине, хотелось бы напомнить об уникальной личности на художественной карте Самары – Карпунове Иване Васильевиче.

Истоки.

Иван Васильевич Карпунов (1909-2004)1, один из ярчайших художников Самары. Уроженец Рязанских земель, после раскулачивания семьи, он вынужден был сменить место жительства. Годы учебы в строительном техникуме в Москве, вынужденный переезд в Саратов, военная служба в Вольске, — вот краткие вехи в судьбе этого человека.

В 1936 году после демобилизации из рядов Красной армии, он приехал в Куйбышев – столицу Средневолжского края. Здесь тогда существовало основанное на паях кооперативное Товарищество «Художник». Деятельность этого объединения была многоплановой. В ведении находился гипсовый завод, существовал текстильный цех, где знаменщицы вышивали знамена золотой нитью, моделировалась и создавалась одежда с украшениями в технике вышивки или росписи по шелку, изготовлялись куклы. В штате Товарищества работали также художники-живописцы. Помимо производственной деятельности, Товарищество имело свою студию, в которой преподавали опытные специалисты из художественных институтов Москвы и Ленинграда, регулярно приезжавшие в командировки.

Здесь, устроившись на работу в Товарищество, Карпунов нашел для себя учителя и друга на всю жизнь – Онуфрия Терентьевича Бизюкова2 – репрессированного художника из группы «бойчукистов3. Бойчукизм, как явление, возник в связи с деятельностью выдающего художника – новатора Михаила Леонидовича Бойчука4 и его школы. После ареста М.Л.Бойчука часть учеников подлежала высылке, один из них – Онуфрий Бизюков – некоторое время находился в Куйбышеве.

В своих воспоминаниях 1998 года Иван Васильевич Карпунов говорил о периоде становления как художника, он подчеркивал, как важны были для него поиски наставника в постижении законов живописной техники.

Говоря о живописном методе О.Т. Бизюкова, Иван Васильевич Карпунов отмечал:

- Основа его живописной доктрины – ритм цвета. У Бизюка это было во всех работах, синее, оранжевое – отсюда возникает пластика цвета. Красное, зеленое – все это организуется в картинную плоскость, все как будто просто и в то же время сложно.

Для меня он представлял художественную среду Киева, Запада. Ведь М.Бойчук учился в Париже. Композиция, цвет, ритм, — для меня это были самые передовые идеи. Все основы живописного искусства дал мне этот человек. Он очень хорошо знал не только европейскую живопись, от него я впервые узнал об иконе.

В своей живописи я также следую иконе. Ведь русский примитив – это икона. Это самое истинное искусство. Основа всех моих композиций — центральная ось, как в иконе, как в примитиве.

Он мой первый учитель, он дал мне все основы изобразительного искусства. В основе должно быть русское национальное искусство – русский примитив-ковер, русская икона.

Бизюк вселил это в меня. Я делаю по-своему, но принципы те же, может, надо было бы как-то иначе понять мысли Онуфрия, но я принял это как основу. Цвет, композиция, ритм, все целое, целое, обобщенное, никаких дыр не надо, никаких светотеневых объемов, никакого фотографизма, все надо заменять цветом, а цвет сам по себе все лишнее снимет. Бизюк мне часто об этом говорил.

Как-то я был на большой выставке Нико Пиросманашвили (1863-1918), Это было потрясающе. Нет никакого натурализма. Цвет, только цвет! Вот рыбак. Синяя вода, желтая шляпа, красная рубаха, а в руках - рыба. Шляпа полыхает, рыба светиться, У меня никогда не было ни одной репродукции с картины этого художника, но я до сих пор ее помню.

Творчество.

Много лет И.В.Карпунов работал в Художественном Фонде, преобразованном из кооперативного товарищества «Художник». И только уйдя на пенсию, стал сочинять свободные картины. Работал уединенно, избегал большой, шумной рекламы. Неохотно продавая свои творческие работы, этот Мастер долгие годы не решался на большую персональную выставку.

Художник работал в разных жанрах: натюрморт, пейзаж, портрет. Работы отличает плоскостная манера письма. Сказывается увлечение иконой, лубком, русским народным искусством. В картинах нет, какой либо вычурности, отсутствует передача светотени. Композиции просты, лаконичны, яркая по своим цветовым отношениям гамма, использование чистого цвета – все это характерно для всех работ. Особенно отчетливо проявляется эта сторона его дарования в натюрмортах, которые отличаются свежестью решения, непосредственностью и неотделимо связаны с традициями русского народного искусства. Натюрморты Карпунова несут в себе конструктивное начало, автор распределяет все вещи симметрично на плоскости, строго следит за поворотами и изгибами всех линий. Определенное ритмическое чередование цветовых пятен как бы превращает полотно в единый декоративный ковер, мазки кладутся пастозно, где живопись многослойная, где-то краска бугрится до рельефа, так густо проложена – этот метод позволяет достигать особенной плотности и весомости цвета.

Предметы в натюрмортах самые незатейливые, мотивы скромные, посуда, отличающаяся простыми пропорциями, ярко вышитые скатерти и полотенца, корзины, наполненные свежими плодами, глиняные кувшины с букетами тюльпанов, астр, либо нарядной ветки рябины – все это привычные в обиходе русского человека предметы быта. Иногда на поверхности стола, рядом с фруктами, цветами может соседствовать стакан с чаем. Или вдруг в натюрмортах Карпунова появляются музыкальные инструменты: черный выразительный корпус гитары с алым бантом на грифе, красиво оттененный красным напряженным фоном. Или изображение застывшей в своеобразном танце, на круглой поверхности стола балалайки. Рисунок в большинстве натюрмортов отличается условностью, сочетания цветов контрастные. Типичны «Натюрморт с тыквой», «Помидоры в корзине», «Ягоды на столе». Всем им свойственна достоверность, они словно демонстрируют свою красоту, то особое отношение художника, которое делает предметы драгоценными, заставляет излучать изнутри радостный свет.

Эти камерные по звучанию работы привлекают внимание не только мастерским распределением форм, узоров на поверхности холста, но и чистосердечным неподдельным восхищением красотой обыденного мира. Некоторые натюрморты написаны художником особенно деликатно, они живут своей тихой замкнутой жизнью, несут в себе печать восторженного любования, черты, присущей скорее работе ребенка или художника-примитивиста. Главной задачей в своем искусстве Карпунов считал выявление и использование простейших выразительных средств, которые так характерны для народного искусства.

Очень часто встречаются в картинах Карпунова цветы. В натюрморте с флоксами белые пышные гроздья цветов напоминают маленькие облачка, присевшие отдохнуть на густую зеленую листву. Привлекает внимание и натюрморт с букетом белых астр. Цветы стоят в кувшине вытянутой формы, рядом, на квадрате светлой скатерти, ложка, стакан чая на блюдце. На светлом фоне стены то тут, то там разбросаны стилизованные цветы астр. Художника захватила задача написать весь натюрморт в чистых белых тонах. Мохнатые головки цветов с желтыми сердцевинками – самое яркое пятно в натюрморте, цвет кувшина и блюдца чуть пригашен, скатерть на столе холодного тона, и все наполняет покоем, светом теплый молочный фон стены. Чередование то светлых, то холодных оттенков белого цвета позволяет создать ощущение колористического богатства полотна.

Все достигается за счет самых простых средств. Весьма примечательно высказывание художника: «Я люблю белый цвет. Белый цвет – чистота души». Мастер создает свою символику цвета, никогда краска не кладется произвольно, цвет в картине функционально создает красочную мелодию для глаза. Одно из назначений цветов, по замыслу художника – сопровождать радостное, красивое. Они должны вносить праздничное настроение в картину. Поэтому цветы под ногами жующих коров, или слабо светятся на лугу для лошади и жеребенка. В одном из автопортретов «Вернисаж» художник изобразил себя с цветком в руке. Вернисаж для художника - праздник, цветок – знак этого праздника. В картине «Лето» цветок в руке молодой женщины воспринимается как своеобразный символ цветущего лета, цветущей молодости.

В ряде полотен Карпунова обращают на себя внимание надписи, они вплетены в одну канву с другими предметами. Даже инициалы орнаментированы и размещаются либо на тулове цветочной вазы, либо в качестве одного из элементов декора фона.

Невольно останавливает внимание картина «Весна», написанная в несколько приглушенной гамме. Сюжет ее предельно прост: Коричневая лошадь пасется вместе со своим жеребенком.

По краю поля, сбоку растет корявое дерево, поверхность земли мерцает сине-фиолетовыми первоцветами, испуганно и настороженно глядят влажные глаза лошади и как-то трогательно прижимается к ней белый жеребенок. Несмотря на некоторую условность живописного языка, картина правдива. Вместе с тем, общему эмоциональному строю произведения соответствует дух сказочности, животные кажутся заколдованными существами. Земля, небо, цветы, поблескивающие на земле, ствол дерева и цветущий куст – все согрето животворным теплом и наполнено необычными шорохами и звуками. Странная птица, сидящая на спине лошади, подчеркивает таинственность состояния весеннего вечера. Несомненно, это произведение по духу своему тесно связано с народной сказкой. В целом, творчество художника развивалось в тесной связи с традициями народного искусства.

Круглый год на полотнах цветут сады, плоды манят ароматами, с любовью и теплотой смотрят на мир глаза детей, молодых девушек, пожилых людей, какое-то особенное благородство и отстраненность присущи облику портретируемых. Словно святые на иконах, они очищены от жизненной шелухи, земных недостатков и суетных движений. Портреты у Карпунова – не зафиксированный реализм. У модели художник словно улавливает определенное движение ее души.

Предельно упрощая все фигуры на плоскости, художник строго следит за симметрией, за цветовым пятном. Согласно его замыслу, цвет должен быть или плотным, или легким, или тяжелым. Форма масс ритмически уравновешена, а самое главное, цвет должен обладать светоносностью. «…Я учусь, все время учусь. Учусь у Пиросмани его великой простоте и этому чуду – сберечь в себе непосредственность детства. Учусь у Ван-Гога чувству цвета, и у Пикассо пластической раскованности. Учусь у неба, и у дерева их естеству, учусь у ландыша и у ветки сирени. И каждый день учусь у себя в мастерской…»

В последнее десятилетие своей жизни Карпунов обратился к вариантам прежних мотивов, поставив во главу угла своего творчества создание очень сложной, почти драгоценной, излучающей вибрирующий свет живописной поверхности. Его «Цветущий шиповник» - словно чудо дерево с цветами – испускает пронзительное свечение - будто розовые звезды на зеленом небе. Стойко противостоя катаклизмам реальной жизни, И.В. Карпунов неустанным трудом взращивал на множестве полотен райский сад. Не случайно, одна из его картин называлась «Рай земной»

В сентябре 1997 года состоялось открытие художника на первой персональной выставке. Все вызывало удивление и восхищение, его полотна радикально отличались от традиции самарской пейзажной живописной школы. Несомненно, появление в художественной жизни Самары такого самобытного художника во многом связано с именем Онуфрия Бизюкова. В начале своего пути Карпунов оказался в поле творческого воздействия этого интересного мастера, образованного человека. Продолжительные и стабильные отношения, занятия, совместная работа над заказами, все это оставило неизгладимый отпечаток в душе молодого художника.

Причастность Бизюкова к живописной доктрине М.Бойчука привлекла – молодого, не оформившегося, художника к определенной живописной культуре, к передовой традиции. А первичная постановка глаза по-дружески, в характере «иного» пластического мышления, все это сделало художественное наследие самарского художника, И.В.Карпунова, причастным к традициям бойчукизма.

Благодаря встрече с таким учителем, И.В.Карпунов создал прекрасный мир и подарил зрителям.

Сегодня достижения художников бойчукистов печально забыты, сегодня  и мы осознаем, как печальна утрата памяти такого культурного явления. Концепция художника о том, что в основе современной живописи должно быть национальное искусство – русский примитив-ковер, русская икона. Эта концепция вполне креативна.


ПРИМЕЧАНИЯ

1 Карпунов Иван Васильевич.(1909-2004), Род. в селе Хохловка, Рязанской области в 1909году. Окончил Московский строительный техникум в 1933г., Куйбышевскую. Городскую студию в 1936г., Центральную художественную студию (преподаватель - Б.В. Иогансон)  в 1947г. Член Союза художников России с 1969 года. С 1938 года участник областных выставок. Экспонент региональной («Большая Волга», 1967), республиканских (Москва,1953, 1954, 1956,1958, 1975)и всесоюзной (Москва, 1938) художественных выставок. Персональные выставки: 1997г.

2 Онуфрий Терентьевич Бизюков (1897-1986). Яркий представитель лирического направления в украинской живописи. Родился в г. Вележ Смоленской области. В 1918 окончил Миргородскую художественно-промышленную школу. В 1920 – 1931 преподавал в Киевском художественном техникуме. В 1926 принимал участие в оформлении Всеукраинского музейного городка на территории Киево-Печерской Лавры. В 1929 – 1932 был членом АРИУ (всеукраинская организация художников, в которой в 1927 большое влияние имели „бойчукисты”). В 1930 окончил КХИ, где учился у М. Бойчука. В группе художников–учеников М. Бойчука принимал участие в монументальных росписях в Одессе. В 1935 был репрессирован как последователь "реакционной школы бойчукизма”. С 1936 до 1942 года  жил и работал в Куйбышеве, после возвращения с войны Бизюков О.Т. приезжает в Киев и начинает работать во всех жанрах живописи. Среди работ художника есть натюрморты, пейзажи, портреты. Неоднократно выставлялся на персональных выставках. Его работы хранятся во многих музеях, и частных коллекциях. Картины О. Бизюкова продавались на аукционе Lots Road Auctions, London

3 Бойчукизм, как явление, возник в связи с деятельностью выдающего художника – новатора Михаила Леонидовича Бойчука (1882-1936).

4 Михаил Львович  Бойчук – (30.10.1882, с. Романовка близ Тернополя, — 1939), советский живописец-монументалист. Учился в краковской (1899—1905), мюнхенской и венской АХ, был в Италии. Работал в Париже (1908—11), затем во Львове, а с 1917 в Киеве. Руководил созданием фресок (не сохранились) в Луцких казармах в Киеве (1919), в санатории на Хаджибеевском лимане в Одессе (1928). Стремясь выразить пафос новой жизни в монументально-эпических формах, Б. обращался к опыту Джотто, древне-украинской иконописи, к украинскому народному искусству. Однако стилизация образов в произведениях Б. и его школы («бойчукисты») часто не отвечала задачам раскрытия новой, советской тематики. В росписях Краснозаводского театра в Харькове (1933—35) Б. и его ученики преодолели черты условности и архаизации формы, свойственных их ранним работам. С 1925 Б. входил в Ассоциацию революционного искусства Украины. Был профессором Украинской АХ (1917—22) и Киевского художественного института (1924—36). Репрессирован; реабилитирован посмертно.